Exposé sur l’œuvre « Psyché ranimée par le baiser de l’Amour » :

Cette sculpture du genre mythologique se nomme « Psyché ranimée par le baiser de l’Amour » .

Elle a été sculpté par Antonio Canova en 1793. Elle mesure 1,55m x 1,68m.

La sculpture est à l’heure d’aujourd’hui exposé au Musée du Louvre.

La ronde-bosse est la technique utilisé pour cette sculpture en marbre.

Sur cette sculpture on peut apercevoir deux personnes, Cupidon dieu de l’Amour et Psyché .

Cupidon est nu avec seulement des ailes et son carquois rempli de flèches et Psyché est complètement nue, seul un drap la couvre légèrement. Ces deux personnes sont sur un rocher , Cupidon est penché sur Psyché tandis qu’elle lui tient la tête. Les deux se regardent dans les yeux.

Pour cette sculpture, Antonio Canova s’est inspiré d’une légende. La légende dont s’est inspiré Antonio Canova vient d’un auteur latin. L’histoire dit que Vénus (déesse de la Beauté et mère de Cupidon) dit a Psyché de lui amener un flacon venant des Enfers cependant Psyché avait l’interdiction de l’ouvrir. Mais la grande curiosité de Psyché ne put l’empêcher de l’ouvrir, alors la jeune femme tomba dans un sommeil profond. Mais heureusement Cupidon venu et pour voir si elle n’était pas morte la toucha du bout de sa flèche. Cupidon enlace ensuite sa bien-aimée et rapproche son visage puis Psyché tout en se rapprochant également, lui saisit la tête. (La dernière phrase correspond à la sculpture).

J’ai trouvé cette œuvre intéressante grâce à l’histoire de la sculpture.   G.S.

Le Baiser de Gustav Klimt

« Le Baiser » est un tableau de Gustav Klimt réalisé entre 1908 et 1909. C'est une peinture à l'huile sur toile avec des feuilles d'or mesurant 180 cm de long x 180 cm de large (c'est un carré) exposé au Palais du Belvédère à Vienne, en Autriche. Cette œuvre, assurement la plus célèbre de l'artiste, fait partie du Cycle d'or de Klimt.

Il est romantique car il est dit que les deux personnages représenteraient l'auteur et sa femme, Emilie Flöge. Les mouvements artistiques auxquels il est raccroché sont le symbolisme et l'art nouveau.

Cependant, il se pourrait aussi que ce tableau représente un élément mythologique, une représentation symbolique du moment où Apollon embrasse Daphné, une nymphe, qui se métamorphose en laurier pour échapper au dieu dans les textes rédigés par Ovide.

Il est dit aussi, d'un point de vue moins littéraire, que se serait une suite de la fresque qu'on retrouve à Bruxelles, au Palais Stoclet.

Les couleurs du tableau sont chaudes. Le jaune est omniprésent par l'utilisation des feuilles d'or, et les vêtements des protagonistes. Des zones de vert, de rose, de bleu, et d'orange ponctuent également l'oeuvre. Des touches noires et blanches, plus géométriques, viennent contraster avec l'ensemble.

Au centre, un couple s'enlasse à genoux. L'homme est à gauche. On ne distingue que sa chevelure noire surplombée d'une couronne de lierre. Il embrasse la joue de la femme dont le visage est, à l'inverse, offert aux spectateurs. Cette dernière parait endormie puisque ses yeux sont fermés. Sa tête est inclinée, de sorte qu'elle forme une ligne presque horizontale. Sa chevelure rousse est couronnée de petites fleurs blanches, vertes et d'un camaïeu de bleu. Les mains fortes de l'homme soutiennent et enlacent la figure de la femme. La composition est telle que l'homme semble la surprotéger.

Le couple est peint dans des tonalités or et claires, qui, placé en plein centre de l'oeuvre, attire en premier le regard.

Le seul paysage suggéré est un parterre sur lequel le couple repose. Cette masse symbolise un sol par la couleur dominante verte plus froide. Elle occupe le premier plan, du bas à gauche jusqu'à un peu plus du milieu de la peinture. Densément parsemé de fleurs multicolores, aux formes arrondies, il forme un contraste chaud/froid avec la zone formée par le couple. Des touches violettes, bleues, jaunes, rouges-orangé viennent faire vibrer cette zone. La liaison avec le couple s'effectue par des lianes d'or dont les feuilles sont triangulaires, traitées dans un style « art nouveau », descendant de la robe de la femme. Elles s'entrelacent dans le sol.

Une allusion à la métamorphose de Daphné en laurier ?

Le dernier plan est un fond marron avec des touches or, abstrait, traité de la même manière dans l'ensemble. Ce fond accentue le contraste avec la zone dorée pour faire surgir la figure centrale du couple. Il représente un ciel étoilé.

La technique de la peinture est réaliste pour le traitement des fomes des visages à l'inverse du décor. Les couleurs sont locales, comme la couleur chair utilisée pour la peau des personnages mais certains traits sont exagérés et déformés. La torsion du cou de la femme est anatomiquement impossible, les mains sont exagérément longues ainsi que le cou de l'homme. Ces déformations appuient le côté symbolique et expressionniste des émotions. Les lignes sinueuses et toutes en arabesque ajoutent de la douceur à l'ensemble.

Le travail sur les motifs qui rythment le tableau est aussi très séduisant et répétitif. Ainsi le vêtement de la femme se pare de motifs arrondis nets qui résonnent avec les motifs floraux du sol, à l'inverse de la tunique de l'homme qui porte des motifs rectangulaires.

Cette différence de traitement suggère-t-elle la fertilité de la femme et le côté plus logique de l'homme ?

La facture des motifs floraux est plus floue et fragmente les couleurs, à la manière des impressionnistes, pour faire scintiller l'ensemble.

Les zones traitées à la feuille d'or sont aussi sculptées par des volutes. On peut reconnaître le travail d'orfèvrerie qui était le métier de son père.

L'or est habituellement utilisé en art pour représenter le sacré, plutôt dans les tableaux bibliques. Klimt est un des premier artiste à l'avoir utilisé comme technique mélangée à de la peinture.

Ici, l'or englobe le couple de sacré mais aussi de mystère. La lumière dans ce tableau émane donc de la brillance des feuilles d'or. Ce n'est pas sans rappeler les mosaiques bysantines de Ravenne, que le format de cette oeuvre - grand et dans lequel le spectateur est plongé – affirme.

Klimt fut le fondateur d'une association radicale d'artistes avant-gardistes autrichiens qui furent actifs de la fin du XIXème siècle au début du XXème. Le Jugendstil (« style jeune »), est l'art nouveau germanique que ces artistes prônent. Cet art est plutôt décoratif touchant autant l'architecture que le mobilier, les bijoux...La carrière de cet artiste a été variée : décors de théâtre, fresques, commandes pour des bâtiments.

Apprécié puis rejeté pour certaines de ces peintures jugées obsènes, il gardera et peaufinera son style jusqu'à la fin de ses jours.

J'ai particulièrement apprécié cette œuvre car je la trouve agréable à regarder. Douce et chaleureuse en même temps. Leur étreinte qui symbolise l'amour est belle. Les couleurs et le traitement des motifs sont originaux ainsi que la technique d'incrustation de feuilles d'or. Ce tableau fait partie de ma culture artistique car je le connais depuis toute petite mais j'ai aimé en apprendre plus en travaillant dessus.

C'est une œuvre qui fait partie de l'imagerie populaire.